Les portraits de Sabine Rudolph qui s'inscrivent sur un fond sombre avec une profondeur étonnante racontent une histoire. Ils libèrent certaines émotions chez le spectateur. Ils symbolisent les sentiments.
Interview réalisée par Ummuhan Kazanc
Chère Sabine Rudolph, pouvons-nous faire plus ample connaissance avec vous pour les lecteurs du blog de notre site All-in-Line ? Comment votre parcours artistique a-t-il commencé ?
Déjà dans mon enfance, je m'intéressais surtout aux images. Ce n'est probablement rien de spécial. Mais ils ont joué un rôle de plus en plus important dans ma vie. Je me souviens très bien des visites avec ma mère chez un peintre de notre petite ville - une grande expérience de mon enfance qui devait me façonner. Et ainsi l'artisanat et l'art ont été un compagnon constant dans toutes les phases de ma vie. Petit à petit j'ai appris le métier. Il y a des décennies, j'ai commencé à m'occuper d'art moderne. Francfort-sur-le-Main, ma ville d'adoption, m'a offert de bonnes opportunités pour cela, par exemple par le biais de cours à l'Académie des Arts ou de séminaires et d'ateliers à l'Université Goethe. Plus tard, on m'a également proposé des cours à la Neue Kunstschule de Zurich. La phase la plus importante de ma formation artistique s'est déroulée à la Freie Kunstschule Wiesbaden.
Vous décrivez-vous comme "sur un terrain sombre" dans votre CV ? Pouvons-nous développer un peu cette description mystique ?
J'adorerais. Le noir a une profondeur comme aucune autre couleur. Il se suffit à lui-même et n'aurait besoin d'aucun autre ajout. Les ténèbres disparaissent, culturellement et historiquement. Je trouve ce fait effrayant. La lumière est utilisée partout, nous ne pouvons donc plus voir les étoiles pleinement dans leur beauté. Physiquement, le noir n'est pas une couleur, mais l'absence totale de lumière, qui pour créer 100% n'a pas encore été atteinte. Peut-être que ce n'est pas possible du tout non plus. Moi, en tant qu'artiste, je réintroduis la lumière. Je trouve que c'est une des plus belles libertés artistiques créatives, un acte de création. Pendant de nombreuses années, j'ai travaillé exclusivement sur des toiles noires foncées et d'autres matériaux.
Même sans rien ajouter, ces terrains sont déjà une expérience pour moi. Pour moi, le noir est grand, fort et profond. De plus, les sols sombres me rassurent. L'image dans laquelle je travaille n'est pas vide. Je ne le façonne qu'avec mes coups de pinceau et lui donne de nouvelles impulsions que la lumière me dicte.
La lumière et les reflets de lumière dans les peintures de Sabine Rudolph s'expliquent par son amour de la photographie. Les reflets lumineux et les ombres dans ses œuvres donnent vie à ses tableaux.
Vous travaillez depuis longtemps le portrait. Que représente la peinture de portrait pour vous ?
Si vous regardez une photo où il n'y a personne, elle apparaît rapidement sans âme ou vide. Quelque chose manque. Si je photographie une rue sans personne, cela fait une déclaration très spécifique. Cela suggère que quelque chose s'est passé ici ou est sur le point de se produire. Je ressens la même chose pour l'art.
Imaginairement, l'être humain est toujours présent, même dans une nature morte.
Le visage humain m'intéresse parce qu'on peut lire dans les visages. Mes portraits ne sont pas des portraits au sens classique du temps où il n'y avait pas de photographie. Ils ne montrent pas le type d'une seule personne déterminée avec sa profession ou son caractère. Les portraits que je peins racontent une histoire. Ils libèrent certaines émotions chez le spectateur. Ils symbolisent les sentiments.
L'identification joue ici aussi un rôle important. Pourquoi accrocher une affiche de Bob Dylan, Madonna ou Franz Kafka ? D'abord parce que je les aime, mais aussi parce que je m'identifie à eux. Quelque chose d'eux fait partie de moi. Cela arrive aussi avec des visages inconnus. Ils peuvent nous envoûter pour les raisons les plus diverses. Cela reste le secret de tout observateur.
La sensibilité, la poésie, la lumière, les reflets lumineux et la fugacité attirent l'attention sur vos images. Que pouvez-vous dire à ce sujet ?
Au cours de mon activité artistique, j'ai pris conscience de la forte expressivité des mimiques et des gestes. C'est pourquoi je préfère travailler avec des mannequins qui ont suivi une formation d'acteur. Ils peuvent couvrir toute la gamme, de la colère et de la tristesse aux sourires méchants.
Mais j'ai tendance à choisir des images poétiques et réfléchies. L'éphémère, la vanité, thème récurrent dans mes peintures, m'émeut beaucoup. Une certaine mélancolie tranquille résonne toujours. C'est lié à ma nature, tu n'y peux rien. Le peintre ou le peintre se peint toujours. La lumière et les reflets lumineux s'expliquent par mon amour de la photographie. Je suis fasciné par la façon dont la lumière peut changer une pièce. Les reflets lumineux donnent vie à une image. Bien sûr, aussi des ombres, à travers lesquelles un effet spatial peut survenir. Les reflets lumineux reflétés dans une fenêtre forment une autonomie. Une nouvelle image est créée, qui ne peut être vue qu'un instant. Cette combinaison de deux images en une est un spectacle fascinant. Toutes ces combinaisons sont infinies. Il suffit d'un œil alerte pour les retrouver. Ensuite, c'est à moi de décider si je peux le traiter en image et capturer mes sensations.
Les aspects psychologiques et intérieurs des portraits que vous décrivez dans vos peintures sont très ressentis, tout comme le langage visuel. On a l'impression qu'ils sont un peu timides et introvertis. Est-ce une décision consciente ou la phase de production du tableau vous amène-t-elle naturellement à ce résultat ?
Lire l'introversion et la réticence dans mes peintures est quelque chose auquel je peux m'identifier. C'est là que je reviens en jeu. Je choisis un motif quand il me plaît. Avant cela, j'écarte d'innombrables versions et étapes préliminaires. C'est alors comme une touche. Quand je le ressens, je reste avec lui et développe davantage le motif.
Regardez bien, c'est ma devise. La superficialité m'effraie et me rend même triste.
Vous faites de l'art de manière photoréaliste. Que signifie le photoréalisme pour vous ?
Je ne l'ai pas choisi consciemment. Il a évolué. Mes peintures ont plus une sensation photoréaliste. Le photoréalisme pur va beaucoup plus loin. Il met l'accent sur la représentation réaliste beaucoup plus que moi. Surtout avec les peintures en noir et blanc à l'huile sur toile, j'essaie de ne peindre que ce qui est nécessaire. Le spectateur complète lui-même les parties omises, qui se trouvent dans le noir. Moins je peins, meilleure est l'image. L'imagination est la magie des bonnes images.
En plus des méthodes de peinture classiques, vous utilisez également les techniques numériques de notre époque pour vos peintures. Comment fusionnent les techniques classiques et contemporaines dans vos œuvres ?
La base de chacune de mes peintures est une photographie que j'ai prise, que je modifie souvent numériquement sur l'écran. Je procède alors très expérimentalement et me permets des conceptions folles. Souvent, les résultats aléatoires sont alors la meilleure source de ma créativité. Le hasard joue un grand rôle dans l'art. Si vous le permettez, des combinaisons étonnantes apparaissent.
C'est ainsi que j'associe les photos avec beaucoup de plaisir et de fantaisie. C'est la nouvelle simplicité numérique qui rend cela possible. Il est si facile d'expérimenter avec la couleur ou avec des structures et des formes. Mais en plus de l'expérimentation libre, de nouveaux mondes d'images sont également créés par une manipulation délibérée.
Les nouvelles techniques sont une étape préliminaire pour la mise en œuvre ultérieure de manière classique. De temps en temps, je fais aussi le chemin inverse.
Je suppose que vous travaillez principalement avec des modèles vivants. Mais pour autant que je sache, l'art de la photographie a aussi une signification particulière pour vous. Comment décririez-vous les frontières entre photographie et photoréalisme ?
C'est vrai, je travaille toujours avec des modèles vivants. Mais je les photographie. La photographie m'a influencé. La photographie et la peinture se complètent. Les gens aiment dire à une image peinte, "Oh, comme une photographie," et à une bonne photographie, "Oh, comme peint." Cela en dit long. Je pense que oui aussi. Les deux mouvements artistiques se côtoient désormais sans concurrence, ils se servent mutuellement. La photographie est reconnue comme une forme d'art, et la bonne vieille peinture est toujours bien vivante. A cela s'ajoute la technologie numérique, qui peut combiner à merveille les deux genres.
J'aimerais parler un peu de vos plans. Comment votre lien profond avec l'art va-t-il se poursuivre ?
Expérimenter, jeter, collecter des idées et être toujours ouvert à de nouvelles choses. L'art fait partie de ma vie. En même temps, l'indépendance et la liberté sont importantes pour moi.