Miriam Smidt, avec sa technique unique qu'elle appelle "Liquid Light Painting", crée des œuvres très spéciales qui nous permettent d'évaluer l'harmonie de la fluidité et de la couleur d'un point de vue différent.
Interview par Ummuhan Kazanc
Myriam Smidt.Chère Miriam Smidt, tout d'abord, pourriez-vous vous présenter aux lecteurs de notre blog ? Quand et comment avez-vous décidé de vous intéresser à l'art ?
En fait, j'ai toujours été une artiste dans l'âme, mais pendant des années, j'ai essayé d'empêcher cela en exerçant divers autres métiers et en essayant de me trouver une place "raisonnable" dans la société. J'ai étudié les sciences politiques et la littérature allemande et j'ai travaillé comme écrivain indépendant et chercheur en sciences sociales pendant quelques années après l'obtention de mon diplôme. Puis, en 2016, on m'a diagnostiqué une tumeur au cerveau. C'est ce moment qui a tout changé pour moi. J'ai compris que la vie n'était pas éternelle et que la mienne était peut-être censée se terminer maintenant, avant même d'avoir vraiment commencé. J'ai alors pratiquement tout jeté et retourné pour enfin peindre.
Miriam Smidt, « Funfair Feels », encres, techniques mixtes sur toile, 100 x 150 cm.
Les couleurs vives de vos œuvres et les mouvements et formes fluides attirent l'œil et vous fascinent dès le premier instant. Le spectateur peut presque se perdre dans ces formes et ces couleurs. Que pouvez-vous dire de votre style ? Que nous disent ces mouvements fluides et ces transitions de couleurs ?
Ma peinture traite des thèmes du changement et de l'éphémère, basés sur le mouvement et le temps - l'eau est exactement le bon médium pour cela.
Mon travail s'étend sur plusieurs jours. Les médias sont en mouvement constant sur la surface de la peinture. Le contrôle et le relâchement, l'inondation et le vide, les parties persistantes et éphémères jouent un rôle majeur dans mon travail. Il s'agit de choses élémentaires de l'être et de la vie, avec des transitions et des finesses. Mes peintures racontent cela et je l'explore dans le processus de création : après avoir déposé les liquides sur la surface de la peinture, je me retire et deviens un observateur : les couleurs développent alors une vie propre et se déploient complètement sans mon intervention. Au cours du processus, elles se développent et complètent mes mouvements d'application de la peinture ou simplement de lavage. Ma présence devient superflue à ce stade du processus de travail, et mon œuvre est éphémère. Mais j'ai tout initié par mes impulsions et j'ai laissé des traces.
Si, après quelques jours, l'eau s'est évaporée et que tous les événements sur la toile se figent en une peinture statique, l'élan et la dynamique demeurent cependant visuellement. Elles peuvent être visuellement retracées grâce à la transparence des encres aquarelles que j'utilise, et agissent comme une nécrologie des activités du processus créatif. L'intensité de mes œuvres, résultant de l'harmonie des couleurs et de la vivacité organique des formes, est un appel à vivre l'instant présent et les couleurs vives indiquent l'avenir avec confiance. Ce jeu de rétrospection et de perspective et le moment de pause entre les deux me fascinent et sont l'essence même de mon travail !
Miriam Smidt, "Mariana Trench", encre, pastel, pastel à l'huile sur toile, 100x50cm.
À quel mouvement artistique rattachez-vous vos œuvres ? Peut-on qualifier votre style d'expressionnisme abstrait ?
Étant donné que j'ai mis au point une technique unique, que j'appelle "peinture à la lumière liquide", mes œuvres ne sont pas faciles à classer. Même si mes œuvres ont une esthétique différente de la plupart des œuvres que nous connaissons dans ce genre, vous avez raison et je les classerais aussi très probablement dans l'expressionnisme abstrait.
Miriam Smidt, "La vie sur Mars", encre, pastel, pastel à l'huile sur toile, 120 x 80cm.
Vous travaillez avec de l'encre et des peintures à l'eau. Pouvons-nous en savoir plus sur les secrets de votre technique ? Que pouvez-vous dire du processus de création de vos peintures ?
Au début, le processus de création ressemblait à une sorte de laboratoire d'art. Je peins avec des encres, de l'eau et - voici le secret - de la pâte. La recherche des bonnes combinaisons, des rapports de mélange et des temps a d'abord pris de nombreuses semaines et de nombreux mois. Aujourd'hui encore, mes connaissances en la matière se développent progressivement. Entre-temps, je connais bien mes matériaux et leurs particularités, mais les supports font rarement tout de suite ce que je veux qu'ils fassent. Il s'agit donc toujours d'un jeu de hasard et d'habileté, d'action et de réaction. Et, comme je l'ai déjà mentionné, de contrôle et de lâcher-prise. Ce jeu s'étend sur plusieurs jours pour les petites œuvres et peut durer plusieurs semaines pour les très grandes œuvres dans lesquelles j'interviens encore et encore dans l'image jusqu'à ce que tout soit sec. Mais à ce moment-là, le tableau reste inchangé. La combinaison des matériaux, ainsi que mon esthétique, dans laquelle l'espace négatif joue un rôle important, ne permet que rarement de repeindre et de compléter.
Miriam Smidt, "Zoo Motion", encre, pastel, pastel à l'huile sur toile, 150 x 100cm.
Votre atelier d'art se trouve dans un endroit très intéressant. Vous travaillez dans une chapelle située dans un cimetière. Comment ces conditions de travail affectent-elles votre productivité ?
Mon atelier se trouve en effet dans une ancienne chapelle funéraire d'un cimetière berlinois désaffecté. Ici, bien sûr, les thèmes de l'éphémère et de l'adieu sont très présents. Il s'agit d'un memento mori constant qui influence certainement ma façon de travailler, surtout lorsqu'il s'agit de vivre avec un diagnostic limitant l'espérance de vie. En outre, l'architecture directe de la chapelle, inspirée du Bauhaus, m'influence également. Elle correspond merveilleusement à mes œuvres puissantes et exubérantes.
Même si nous pensons d'abord à la mort, il y a aussi beaucoup de vie dans un cimetière désaffecté. La chapelle est entourée d'une oasis de verdure au cœur de Berlin. J'y rencontre d'innombrables animaux que l'on ne rencontrerait que rarement dans une grande ville. Certains d'entre eux, comme les écureuils et les renards, s'aventurent même dans mon atelier. Et mes œuvres apportent également beaucoup de vie à cet endroit.
Je me demande parfois si mes œuvres ne seraient pas très différentes si elles avaient été créées dans un autre endroit.
Pouvez-vous nous en dire plus sur vos projets ?
Je travaille actuellement sur plusieurs projets croisés dans lesquels ma peinture interagit avec des installations vidéo et sonores. Ce n'est pas encore pour tout de suite, mais une partie de ces projets sera certainement exposée lors d'une exposition personnelle à Hambourg à la fin de l'année. Ce sera très probablement coloré et émouvant. Mais je ne veux pas en dévoiler trop pour l'instant.