I ritratti di Sabine Rudolph, ambientati su un terreno scuro con sorprendente profondità, raccontano una storia. Rilasciano certe emozioni nello spettatore. Sono simbolici dei sentimenti.
Intervista di Ummuhan Kazanc
Cara Sabine Rudolph, possiamo conoscerti meglio per i lettori del blog del nostro sito All-in-Line? Come è iniziato il tuo percorso artistico?
Già da bambino ero interessato principalmente alle immagini. Probabilmente non è niente di speciale. Ma hanno avuto un ruolo sempre più importante nella mia vita. Ricordo vividamente le visite di mia madre a un pittore nella nostra piccola città: una grande esperienza della mia infanzia che mi ha formato. E così l'artigianato e l'arte sono stati compagni costanti in tutte le fasi della mia vita. A poco a poco ho imparato il mestiere. Decenni fa ho iniziato a occuparmi di arte moderna. Francoforte sul Meno, la mia casa adottiva, mi ha offerto buone opportunità in questo senso, ad esempio attraverso corsi presso l'Accademia d'arte o seminari e workshop presso l'Università Goethe. Successivamente mi sono stati offerti anche dei corsi alla Neue Kunstschule di Zurigo. La fase più importante della mia formazione artistica è stata alla Freie Kunstschule Wiesbaden.
Nel tuo curriculum ti descrivi come "su un terreno oscuro"? Possiamo approfondire un po' questa descrizione mistica?
Mi piacerebbe. Il nero ha una profondità come nessun altro colore. Si distingue da solo e non avrebbe bisogno di altre aggiunte. L’oscurità sta scomparendo, culturalmente e storicamente. Trovo questo fatto spaventoso. La luce viene utilizzata ovunque, quindi non possiamo più vedere le stelle pienamente nella loro bellezza. Fisicamente il nero non è un colore, ma la completa assenza di luce, che non è stata ancora raggiunta per crearla al 100%. Forse anche questo non è affatto possibile. Io, come artista, reintroduco la luce. Trovo che questa sia una delle libertà artistiche creative più belle, un atto di creazione. Per molti anni ho lavorato esclusivamente su tele nere scure e altri materiali.
Anche senza aggiungere nulla, questi terreni per me sono già un'esperienza. Per me il nero è grande, forte e profondo. Inoltre, i terreni oscuri mi danno sicurezza. L’immagine in cui lavoro non è vuota. Mi limito a modellarlo con le mie pennellate e a dare nuovi impulsi che la luce mi detta.
La luce e i riflessi della luce nei dipinti di Sabine Rudolph possono essere spiegati dal suo amore per la fotografia. Riflessi di luce e ombre nelle sue opere danno vita ai suoi dipinti.
Lavori con i ritratti da molto tempo. Cosa significa per te la ritrattistica?
Se guardi una foto in cui non ci sono persone, appare subito senz'anima o vuota. Manca qualcosa. Se fotografo una strada senza persone, faccio un'affermazione molto specifica. Suggerisce che qualcosa è successo qui o sta per succedere. La penso allo stesso modo riguardo all'arte.
Immaginariamente l'essere umano è sempre presente, anche in una natura morta.
Il volto umano mi interessa perché puoi leggere nei volti. I miei ritratti non sono ritratti nel senso classico del tempo in cui non esisteva la fotografia. Non mostrano il tipo di una singola persona determinata con la sua professione o carattere. I ritratti che dipingo raccontano una storia. Rilasciano certe emozioni nello spettatore. Sono simbolici dei sentimenti.
Anche qui l'identificazione gioca un ruolo importante. Perché appendo un poster di Bob Dylan, Madonna o Franz Kafka? Innanzitutto perché mi piacciono, ma anche perché mi identifico con loro. Qualcosa di loro fa parte di me. Ciò accade anche con i volti sconosciuti. Possono affascinarci per i motivi più diversi. Questo rimane il segreto di ogni osservatore.
Sensibilità, poesia, luce, riflessi di luce e transitorietà attirano l'attenzione sulle tue immagini. Cosa puoi dire a riguardo?
Durante la mia attività artistica ho preso coscienza della forte espressività delle espressioni facciali e dei gesti. Ecco perché preferisco lavorare con modelle che hanno studiato recitazione. Possono coprire l'intera gamma, dalla rabbia e tristezza ai sorrisi meschini.
Ma poi tendo a scegliere immagini poetiche e riflessive. La transitorietà, la vanitas, tema ricorrente nei miei quadri, mi commuove molto. Una certa tranquilla malinconia risuona sempre. Ha a che fare con la mia natura, non puoi farci niente. Il pittore o il pittore dipinge sempre se stesso. La luce e i riflessi luminosi possono essere spiegati dal mio amore per la fotografia. Mi affascina come la luce possa cambiare una stanza. I riflessi di luce danno vita a un'immagine. Naturalmente anche le ombre, attraverso le quali può nascere un effetto spaziale. I riflessi di luce specchiati in una finestra formano un'autonomia. Viene creata una nuova immagine, che può essere vista solo per un momento. Questa combinazione di due immagini in una è uno spettacolo affascinante. Tutte queste combinazioni sono infinite. Basta avere un occhio attento per scovarli. Poi sta a me decidere se riuscire a elaborarlo in un'immagine e catturare le mie sensazioni.
Gli aspetti psicologici e interiori dei ritratti che rappresenti nei tuoi dipinti sono molto sentiti, così come il linguaggio visivo. Si ha l'impressione che siano un po' timidi e introversi. Si tratta di una decisione consapevole oppure la fase di produzione del dipinto ti porta naturalmente a questo risultato?
Leggere l'introversione e la reticenza nei miei dipinti è qualcosa con cui posso identificarmi. È lì che torno in gioco. Decido un motivo quando mi attira. Prima di ciò, scarto innumerevoli versioni e fasi preliminari. Allora è come un tocco. Quando lo sento, rimango con esso e sviluppo ulteriormente il motivo.
Guarda attentamente, questo è il mio motto. La superficialità mi spaventa e mi rende perfino triste.
Fai arte in modo fotorealistico. Cosa significa per te il fotorealismo?
Non l'ho scelto consapevolmente. Si è evoluto. I miei dipinti hanno un aspetto più fotorealistico. Il fotorealismo puro va ben oltre. Enfatizza la rappresentazione realistica molto più di me. Soprattutto con i dipinti in bianco e nero ad olio su tela, cerco di dipingere solo ciò che è necessario. Lo spettatore completa da solo le parti omesse, che giacciono nell'oscurità. Meno dipingo, migliore è il quadro. L'immaginazione è la magia delle belle foto.
Oltre ai metodi di pittura classici, per i tuoi dipinti utilizzi anche le tecniche digitali del nostro tempo. Come si fondono le tecniche classiche e contemporanee nelle tue opere?
La base di ciascuno dei miei dipinti è una fotografia che ho scattato, che spesso modifico digitalmente sullo schermo. Procedo quindi in modo molto sperimentale e mi permetto disegni folli. Spesso i risultati casuali sono quindi la migliore fonte della mia creatività. Il caso gioca un ruolo importante nell’arte. Se lo permetti, vengono alla luce combinazioni sorprendenti.
È così che combino le foto con molto piacere e fantasia. È la nuova semplicità digitale che lo rende possibile. È così facile sperimentare con i colori o con strutture e forme. Ma oltre alla libera sperimentazione, nuovi mondi di immagini vengono creati anche attraverso la manipolazione deliberata.
Le nuove tecniche costituiscono una fase preliminare per la successiva implementazione in modo classico. Di tanto in tanto vado anche nella direzione opposta.
Presumo che tu lavori principalmente con modelle dal vivo. Ma per quanto ne so, anche l'arte della fotografia ha per te un significato speciale. Come descriveresti i confini tra fotografia e fotorealismo?
È vero, lavoro sempre con modelle dal vivo. Ma ne faccio fotografie. La fotografia mi ha influenzato. Fotografia e pittura si completano a vicenda. Alla gente piace dire a un quadro dipinto: "Oh, come una fotografia", e a una buona fotografia: "Oh, come dipinta"."Questo la dice lunga. Penso che lo sia anch'io. Entrambi i movimenti artistici ora stanno fianco a fianco senza concorrenza, si servono a vicenda. La fotografia è riconosciuta come una forma d'arte e la buona vecchia pittura è ancora viva e vegeta. A ciò si aggiunge la tecnologia digitale, che può combinare meravigliosamente entrambi i generi.
Vorrei parlare un po' dei tuoi progetti. Come continuerà il tuo profondo legame con l'arte?
Sperimentare, scartare, raccogliere idee ed essere sempre aperti a cose nuove. L'arte fa parte della mia vita. Allo stesso tempo, per me sono importanti l’indipendenza e la libertà.